Infografia Cinematografica

Cine de Hollywood

Los tiempos cambian y presuntamente el mundo evoluciona. Sin embargo, no dejan de haber acontecimientos que demuestran el anquilosamiento de ciertas estructuras políticas y sociales. La lucha por ejercer la libertad individual y la libre expresión continúa y se manifiesta de muy diversas formas. No obstante, la lucha en favor de los derechos humanos elementales y la defensa de la libertad y la justicia continúan siendo las causas más nobles por las que se puede y debe batallar. 

En el terreno cinematográfico y en el de las artes en general, aquellas personas que denotan una personalidad más acentuada suelen trascender especialmente tanto si ello conlleva que sus trayectorias luzcan más o menos debido al poder del establishment de turno. En cualquier caso, como analistas siempre debemos glosar los hechos diferenciales de aquellas personas que han dejado huella gracias a su fuerte carácter y determinación, a la profundidad de sus convicciones y a la tenacidad en la defensa del interés propio frente a una industria muy poderosa.

Este es el caso de dos de las mejores actrices de la historia: Joan Crawford (1904-1977) y Bette Davis (1908-1989). Fueron dos mujeres de extensa carrera, que marcaron época porque tenían una fuerza interpretativa inusitada que pronto las separó del rol femenino tradicional para situarlas como actrices de carácter. Crawford, Davis y Katharine Hepburn lideraron a un selecto grupo de intérpretes que ofrecían a Hollywood la ventaja de contar con protagonistas femeninas fuertes, decididas y capaces de contraponerse a sus partenaires masculinos desde la firmeza. Para damiselas en apuros ya había multitud de opciones. Ellas estaban en la industria para reivindicar el papel emergente de la mujer en la sociedad y no dudaron en batallar ante productores y ejecutivos en pos de ese reconocimiento, incluso cuando ello pudiera conllevar la pérdida de papeles y la inactividad temporal.

Con más o menos continuidad, estas mujeres brillantes se consagraron en el firmamento hollywoodiense y recibieron galardones y múltiples reconocimientos a su labor. Pero acabó llegando el momento en que sus esfuerzos tuvieron que redoblarse ante un terrible enemigo: el inexorable paso del tiempo. La denuncia de las actrices veteranas cuando se ven apartadas de las principales ofertas de trabajo, por cuestión de edad, continúa muy viva actualmente pero en la época de Crawford y Davis aún era mucho más dura. La juventud en los roles femeninos imperaba con más rotundidad en la industria y grandes leyendas se quedaban en la cuneta a una edad en la que su talento estaba por las nubes. Así fue como el fuerte temperamento del que siempre habían hecho gala tuvo que salir  a escena, con más ahínco, para seguir haciendo centellear la pantalla con sus apariciones.

Esta etapa de madurez creativa, tan valorada siempre en la trayectoria de actores y directores pero tremendamente complicada para las mujeres, resulta interesantísima a la hora de abordar proyectos que expliquen a las nuevas generaciones la edad de oro de Hollywood. Un gran número de mujeres, todas ellas grandes actrices, tuvieron que hacer frente al brutal sexismo de la época e incluso a trabas burocráticas que nunca debían superar sus colegas varones. En la defensa en favor del rol femenino en la industria, muchas estrellas tuvieron que luchar ferozmente para contravenir la máxima que seguían la mayoría de los estudios en cuanto a los papeles femeninos: "a más edad, roles secundarios u ostracismo".

En esta apuesta persistente por crear series de televisión que indaguen en el pasado para redescubrir episodios rompedores, el productor Ryan Murphy decidió poner en pie su idea de explicar algunos de los grandes enfrentamientos personales del siglo XX con la rivalidad entre dos actrices en el inicio de su senectud. Sumergirse en la intrahistoria tras la compleja relación entre Joan Crawford y Bette Davis antes, durante y después del rodaje del clásico de Robert Aldrich, What Ever Happened to Baby Jane? (1962), era la mejor forma de iniciar una memorabilia de calidad que, de paso, engrosa el lustrado atrio del metacine.

Cine Surrealista

El surrealismo es un movimiento que surgió a partir del dadaísmo en los años 1920 y que rompió los esquemas tradicionales de expresión del momento. Se trataba de sacar el subconsciente a flote, surge de la necesidad de manifestar la inconformidad por las normas. Era la forma de protesta que tenía el artista ante la decepción con su realidad.

El cine surrealista es una de las vertientes de este movimiento artístico, es la libertad de expresión del subconsciente. Su precedente lo encontramos en el cine de vanguardia de carácter cubista y dadaísta, como el “Ballet Mécanique” de Fernand Léger.

El cine surrealista pretende escandalizar y exterminar a la sociedad burguesa a la que consideran mezquina. Los cineastas llevan sus ideas por encima de la comprensión de las personas que no estaban acostumbradas a este tipo de realización.  Los cineastas expresan de forma subjetiva lo que desean, lo que se encuentra dentro de sus mentes. Expresan sus ideas sin ataduras sociales y no limitan su creatividad a prejuicios sociales. El surrealismo es la imaginación como pauta a seguir, el hombre carece de límites.

Las características principales de este tipo de cine son la creación al margen de todo principio estético y moral, la fantasía onírica, el erotismo lícito y la confusión en espacios y tiempos.  Las técnicas utilizadas son los fundidos acelerados, cámara lenta, uniones arbitrarias entre planos y angulaciones poco comunes, encadenados  cuyo principal objetivo es destacar el mundo de los sueños y del inconsciente.

La primera película surrealista fue “La caracola y el clérigo” de Germanine Dulac. La película muestra las alucinaciones eróticas de un sacerdote y su deseo sexual por la esposa de un general. En esta película se muestran todas las características de la representación cinematográfica surrealista. 

Un año después se estrena “Un perro andaluz” de Luis Buñuel con la colaboración en el guión de Salvador Dalí. Este cortometraje de diecisiete minutos de duración trasgrede los esquemas narrativos del momento, lo que provoca un impacto moral por la agresividad de las imágenes. Es una constante alusión al delirio y al sueño. La historia nació de la unión de los sueños de Dalí, que soñó con que tenía hormigas en su mano y Buñuel, que soñó como una navaja seccionaba un ojo a alguien. Buñuel describía así su película: “Para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del film, por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz”

Más tarde este mismo director haría “La edad de oro”, en cuyo trasfondo podemos ver la revolución y cuestionamiento de las normas morales y sociales. La película trata de la rebelión de dos amantes que  obligan a que su amor, pasional y sujeto sólo a sus propias normas, tenga que ser extinguido debido a los prejuicios y preceptos morales y sociales. En la película toca temas como la violencia, la iglesia y la dificultad de comunicación. 

El surrealismo fue un movimiento que aunque tuvo una corta duración dejó una huella importante. En la actualidad muchas películas utilizan sus características, autores como Tim Burton hacen que cada film tenga una pequeña marca surrealista.

Cine Digital

El cine digital (o D-Cinema) es un formato estándar de proyección de cine totalmente digitalizado para proyecciones comerciales. La norma D-Cinema ha sido creada por el consorcio Digital Cinema Initiatives, LLC (DCI), cuyos miembros son los principales estudios de Hollywood - Walt Disney Pictures, Fox Broadcasting Company, Paramount Pictures, Sony Pictures EntertainmentUniversal Studios y Warner Bros. Studios. El consorcio DCI emitió un documento detallado sobre el estándar D-Cinema, que lleva por nombre Digital Cinema System Specifications (especificaciones del sistema de cine digital).

El cine digital se graba utilizando una representación digital del brillo y el color en cada píxel de la imagen, en lugar de quedar fijada por emulsión química en el filme de celuloide tradicional. La película final puede ser distribuida vía disco duro, DVD o satélite, y puede proyectarse usando un proyector digital en lugar del proyector tradicional.

Un formato común para trabajar en post-producción digital es el DPX, el cual representa la densidad del negativo escaneado en un formato de 10 bits. También es frecuente que se utilice un archivo para cada cuadro, que puede alcanzar los 20 o 50 megas. Aunque en cámaras Canon EOS Cinema en específico, la cámara C500 y utilizando el grabador Convergent Design Odyssey Q7 los archivos oscilan en los 11 Mb, trabajando a 10-bits, 22 Mb trabajando a 12-bits. Cuando trabajas en 12-bits, el grabador genera archivos .rmf, los cuáles deben ser transcodificados a DPX.

Las películas de bajo presupuesto y con medios limitados están cada vez más siendo rodadas en digital (aunque a menudo no con camaras de alta definición). Con la creciente popularidad de esta tecnología en los últimos tiempos, los festivales especializados en cine digital son hoy comunes por todo el mundo. El pionero y mayor de ellos es el Onedotzero, celebrado en Londres desde 1996. Por el momento, muchos objetivos de las cámaras electrónicas no se fijan en este mercado. El público al que se dirigen es generalmente el de festivales sin ánimo de lucro y las piezas se frecuentan más a menudo en vídeo que en cine. Cuando estos productos se lanzan al mercado es casi siempre en formato DVD, por lo que se les puede considerar productos para televisión sin emisión.

Conceptos(Tipos de Cine)

Cine Industrial:

Está pensado para vender, carece de ideas arriesgadas, y más bien se apoya en temáticas populares y depende de los límites de una burocracia.

Cine de Autor:

Es el cine en el cual el director tiene un papel preponderante al basarse normalmente en un guión propio; realiza su obra al margen de las precisiones y limitaciones que implica el cne de los grandes estudios.

Cine de Culto:

Se refiere a cualquier tipo de producción cinematográfica que ha adquirido alguna clase de culto popular, ya sea pro su formato, su producción, su trama o su significado histórico.

Cine Digital:

Es un formato estándar de proyección de cine totalmente digitalizado para proyecciones comerciales.

Cine de Cooperativas:

Desde hace unos años, estas proyecciones recuperan cines cerrados o con problemas para seguir adelante.

Plotagraph

Imagenes en Movimiento
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Conceptos

Acción:Acto u operación que implica actividad, movimiento o cambio y normalmente un agente que actúa voluntariamente, en oposición a quietud o acción no física.
Angulación:El ángulo de cámara es la posición y angulación de la misma cámara fotográfica o de cine. 
Banda sonora. Puede ser óptica, que se registra haciendo incidir un rayo luminoso que varía de intensidad con la variación de timbre y velocidad de sonido sobre una película virgen, magnética, cuando está adherida a la película en una banda estrechísima, o es una cinta de 35 mm. que se proyecta en doble banda.Físicamente es la tira óptica o magnética impresa a la izquierda de los fotogramas que almacena todos los sonidos. Figuradamente es el conjunto de sonidos del film: voz, música, efectos sonoros...y silencio. De forma incorrecta se llama así a la música de la película para su venta en disco.
Blockbuster: Un tipo de películas que consiguen muchísimo éxito en taquilla pero cuya calidad es cuestionable.
Casting. Es el proceso de búsqueda y selección de los actores para el reparto de un film.
Cine Club:Un cineclub es una asociación para la difusión de la cultura cinematográfica, que organiza la proyección y comentario de determinadas películas
Cinematografia:Arte y técnica de proyectar imágenes fijas de manera continuada sobre una pantalla para crear una sensación de movimiento.
Cinta de camara:La cinta magnética es un tipo de medio o soporte de almacenamiento de datos que se graba en pistas sobre una banda plástica con un material magnetizado, generalmente óxido de hierro o algún cromato. El tipo de información que se puede almacenar en las cintas magnéticas es variado, como vídeo, audio y datos.
Climax. En cine, el momento culminante de una secuencia.
Dolly Carrito sobre el que se monta la cámara.
Fotograma. Cada uno de las imágenes que se suceden en una película cinematográfica rodada en celuloide. Es el elemento más pequeño de la película.

Kinescopado:iInvento del norteamericano Thomas Alva Edison que inspiró a los hermanos Lumière. Se trata de una banda de película que avanza tras un visor individual, frente a una bombilla eléctrica, creando la ilusión de movimiento. Se fabricó en serie a partir de 1893.

Chroma Key (Croma): Es una técnica audiovisual muy común para extraer color a la imagen y en su lugar insertar otro color o imágenes generadas por ordenador. Lo más habitual es contar con pantallas verdes, debido a su enorme diferencia con el color de la piel humana.

Cliffhanger: Son situaciones inacabadas al final de la película que generan suspense en el espectador y le provocan ganas de querer ver la siguiente cinta, en la que se presupone que se resolverá dicho "gancho".

Cinema Scope:

Continuidad/raccord/racor. En el guión es la construcción absolutamente detallada de la historia redactada de manera literaria, escena por escena y con sus diálogos. En el rodaje es coherencia entre los elementos de un plano y los de los siguientes. Al rodarse las películas frecuentemente en desorden cronológico (ya que se filma atendiendo a campos de luz, decorados, intensidad de las secuencias, climatología o compromisos de disponibilidad de actores, medios o personal técnico), el cuidado de la continuidad es esencial para evitar rupturas en la fluidez de la acción o el diálogo, así como discrepancias en los detalles, grandes o pequeños.

Crossover: Es cuando dos películas o sagas se unen para dar lugar a otra.

Doblaje. Aplicar la voz en los diálogos tras el rodaje, y montaje, del film. Se utiliza para poner en el idioma de los espectadores lo que se había rodado o producido en otro idioma.

Encadenado. Una transición de planos por sobreimpresión pasajera, más o menos larga, de las últimas imágenes de un plano y las primeras del plano siguiente.

Etalonaje: Es el proceso de ajuste y/o igualado progresivo de la fotografía de cada toma montada, a partir del primer copión (moviola) o telecine (vídeo o sistema digital). Así se homogeneiza todo el proceso para evitar saltos de continuidad de luz.

Flashback (vuelta atrás). Es un recurso narrativo por el que se cuentan hechos ya sucedidos. Por medio del recuerdo, del sueño, de la narración de una historia, de la diferente óptica de un suceso por parte de varios personajes, a partir de la lectura de un libro de historia. Como ejemplo se puede poner Ciudadano Kane, de Orson WeIles.

Fundido. Es una transición entre planos, en la que desaparece progresivamente la imagen que se fundía en negro y se disuelve por completo antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad. Oscurecimiento gradual de la pantalla hasta quedar totalmente negra (fundido en negro) o, excepcionalmente de otro color, abriéndose el siguiente. Fade-in se llama al que cierra y fade-out al que abre. Se usa para indicar el paso del tiempo o un cambio radical de escenario.

Jump-cut: (Ang.) Montaje que supone un salto visible en la continuidad de la acción, provocando un salto apreciable, ya dsea de personajes o situaciones.

Ritmo. Es el movimiento que se imprime a la acción en una película y se consigue adecuando la duración de cada plano y los recursos sonoros, icónicos y expresivos que se utilizan. El ritmo puede lograrse con planos de corta duración y numerosos, en un ritmo rápido, con planos de larga duración y muy poco numerosos, en un ritmo lento, planos cada vez más breves, o cada vez más largos (in crescendo), o sin norma fija, con cambios bruscos. Los sonidos y la música pueden apoyar el ritmo de las imágenes.

• Majors Estudios de cine que dominan la producción, distribución y exhibición mundiales. Las principales son: Paramount Pictures, Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox, Warner Bros, y RKO.

• Making of Montaje breve en el que el espectador asiste al rodaje.

• Mediometraje Película con una duración de entre 30 y 60 minutos.

• Melodrama Género en el que se entremezclan lo sensible y lo emocional de la vida cotidiana.

• Montaje Encadenado de secuencias con un hilo narrativo que sincroniza imagen y sonido.

Precuela: Es cuando de una o varias películas, se hace otra que narra una historia anterior a la actual.

Reboot: Es el reinicio o relanzamiento de una historia contada previamente, no forzosamente siguiendo la continuidad previa sino sólo conservando los elementos más importantes, aunque comenzando todo de nuevo, desde el inicio, con ideas más “frescas”.

Trailers:

Remake: A diferencia del reboot, aquí se hace la versión de una cinta antigua. En lugar de contar la historia con un nuevo enfoque modificando aspectos importantes de la misma, aquí la historia se mantiene, solo se actualiza.

Rush. Se llama a los fragmentos de cada toma.

Scrip. Se llama así a la secretaria de rodaje. Realiza una función muy importante y de gran responsabilidad en el desarrollo de la película. Una de sus más relevantes tareas es la de lograr que haya continuidad entre las escenas, dejando claramente constancia de cualquier detalle que vaya a ser continuado en la secuencia posterior, aunque medien entre ellas días o espacios de tiempo muy amplios, con el fin de evitar incoherencias de rodaje y faltas de racor.

Secuela: Cuando de una película surgen otras con los mismos personajes continuando la historia de la anterior.

Spin-off: Ocurre, cuando una cinta tiene mucho éxito y uno de sus personajes gusta mucho entre el público. Consiste en hacer una nueva película con dicho personaje o personajes como protagonistas.

Espoiler:

Sound track. Es una banda en la que se registran los sonidos de todas las bandas menos la de diálogos.

Story Board. Es como un cómic con la historia dibujada de la película, expuesta plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a realizar y van acompañados de los textos con los diálogos correspondientes. Es muy útil en el momento del rodaje, pues facilita el trabajo de los técnicos sobre todo en secuencias de acción. Es imprescindible donde hay efectos especiales que posteriormente han de superponerse.

Teaser: Un adelanto corto de una película de menor duración que un tráiler y que aporta información distinta a él.

Blooper (Toma falsa): Es cuando durante el proceso de creación de una película ocurren gazapos o meteduras de pata. En algunos casos estos son incluidos al final de la misma, durante los títulos de crédito.

Festival Cinematográfico

Festival de cine o festival cinematográfico es la denominación habitual de los concursos de cinematografía.

Los principales en el mundo son el Festival de Cannes en  Francia, el Festival de Venecia en  Italia, el Festival de San Sebastián en  España y el Festival de Berlín en  Alemania.

En España son importantes el Festival de San Sebastián, el Festival de Cine de Sitges, el Festival de cine de Valladolid, el Festival de cine de Málaga o el Festival de cine de Albacete.

En Colombia se cuenta con el Festival de Cine independiente de Bogotá INDIEBO, Festival Internacional de Cine de Barichara, el Festival Internacional de Cine de Barranquilla, y siendo los más importantes, el Festival Internacional de Cine de Cartagena, el Festival Internacional de Cine de Santander (FICS) y el Festival de Cine de Bogotá.

En  Venezuela se realiza el Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño de Margarita, el más importante del país y uno de los más significativos de la región.

Hay festivales temáticos o especializados, como el Festival de Sitges, de cine fantástico y de terror, el Terrormolins o el Festival de Sundance de cine independiente.

Los premios Oscar, los premios Goya, los premios César y otros similares, no son festivales de cine, porque no incluyen la exhibición previa de las películas a concurso ni la deliberación de un jurado.

El Star-System

Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanzó su pleno desarrollo, convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; cuando el conflicto alcanzó su fin en 1918, Estados Unidos se encontraba a la cabeza del mercado cinematográfico mundial. En esta situación, los presupuestos de las películas aumentaron de manera considerable y, con el fin de minimizar los riesgos, se generalizó la aplicación de los modelos organizativos desarrollados por Adolph Zukor en la Paramount.

Surrealismo

 El surrealismo o superrealismo es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.


Los surrealistas persiguen la verdad mediante escrituras automáticasdonde se omiten las correcciones racionales. Los escritos surrealistas se basan en la utilización de imágenes para la expresión de emociones.

El término surrealismo fue acuñado por Guillaume Apollinaire en 1917, cuando lo utilizó en el marco del programa que escribió para el musical “Parade”. Con el correr de los años, la noción experimentó diversos cambios y alteraciones.

Cine Sonoro

El cine sonoro es aquel en el que la película incorpora sonido sincronizado (es decir, tecnológicamente acoplado) con la imagen. La primera exhibición pública conocida de cine sonoro proyectado ocurrió en París en 1900, décadas antes de que la sincronización confiable entre sonido e imagen se hiciera comercialmente práctica. La primera proyección comercial de películas con sonido completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva York, en abril de 1927 (The Jazz Singer). En los primeros años después de la introducción del sonido, las películas que incorporaban diálogos sincronizados fueron conocidas como «películas sonoras».Anteriormente al cine sonoro ya existía el sonido en el cine. Los cineastas y proyectistas se habían preocupado de ello, pues el cine nace con voluntad sonora. En las primeras filmaciones cortas en que aparecen actores y actrices bailando, el espectador no oye la música, pero puede observar sus movimientos. Por otra parte, rara vez se exhibían las películas en silencio. Los hermanos Lumiére, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a sus sesiones de cinematógrafo en su local de París y hubo compositores de valía, como Saint-Saéns que compusieron partituras para acompañar la proyección de una película. Músicos y compositores tenían en el negocio del cine mudo una fuente de ingresos. No sólo la música, también los ruidos y acompañamiento tenían cabida en el cine mudo, por lo que algunos exhibidores disponían de máquinas especiales para producir sonidos, tempestades o trinar de pájaros. Cierto es que este sistema era solamente posible en grandes salas, en ciudades o lugares de público pudiente, y escasamente podía apreciarse en pueblos o lugares alejados. Todos los instrumentos eran válidos para hacer música en el cinematógrafo aunque el piano (y la pianola) era normalmente el más apetecido.Algunos experimentos habían demostrado que las ondas sonoras se podían convertir en impulsos eléctricos. En el momento en que se logró grabar en el celuloide esta pista sonora, se hizo posible ajustar el sonido a la imagen, y por lo tanto hacer sonoro el cine.

Stop Motion "La serpiente"

Reecreación Cinematografico Harry Potter

Reecreación de Cartel Cinematografico